Lo que la colección esconde (XXX): abanico del siglo XIX

En 1870 Mariano Fortuny pintaba La vicaría, uno de los cuadros más alabados del pintor y una muestra excepcional de las relaciones entre Fortuny y el marchante de arte Adolphe Goupil. Los intereses económicos de Goupil llevaron a que en muchos casos las pinturas del catalán se vieran supeditadas a los intereses del propio marchante. La vicaría es fiel reflejo de ello. Siguiendo el género del tableautin y la pintura de casacón, popularizada por Meissoner, Fortuny realizó una obra que ya desde un inicio, tanto por su pequeño formato como por su cercana temática, se presentó como un éxito rotundo.

El tema elegido por el pintor catalán es sencillo: la firma del contrato matrimonial de una pareja. Se piensa que pudo inspirarse para la realización en su propio casamiento, que tuvo lugar en 1867 en la parroquia San Esteban, iglesia en la que también habían contraído matrimonio otras figuras como Mariano José de Larra, Federico de Madrazo, José Zorrilla o Gustavo Adolfo Bécquer. 

En la obra se presenta justo el momento en que los testigos se disponen a firmar el libro de registros para dar fe de la veracidad del enlace. Se ven personajes vestidos con casacas y trajes más a la francesa siguiendo la pintura de Meissonier, pero también aparece algún invitado vestido de torero, mozos, un cura o incluso la figura de un demandero de almas del purgatorio. De este modo se refleja un interés claro por realizar una obra en la que se exponen buena parte de los tipos sociales de la España del XVIII.

El gran éxito de la pintura, que fue vendida en Francia por Goupil en 1870 triplicando el precio de su compra, hizo que se reprodujese en multitud de ocasiones, tomándose más como una representación de amor y el matrimonio que como una muestra de la España del Siglo de las luces.

En nuestro museo tenemos uno de esos testimonios del éxito y la difusión del cuadro de Fortuny. Se trata en este caso de un abanico que puede fecharse en la década de los 90 del siglo XIX. En él se representa la escena del enlace, pero se introducen nuevos elementos, como una alegoría del amor a través de la representación de dos tórtolas u otra de las Bellas Artes, que sirven para enmarcar la escena.

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Supone por tanto la pieza un destello más de la excelente valoración de la obra de Fortuny y una muestra del incremento del uso y la popularidad de estos instrumentos, que había comenzado ya a desarrollarse a finales del siglo XVIII.

Lo que la colección esconde (XXVII): Dibujo de Lenci

Ahora sí que sí, ¡estamos en pleno verano!. Es momento de playa y piscina, y aunque en Madrid no hay playa, en el MNAD contamos con piezas tan veraniegas como ésta que os mostramos a continuación...a ver si sirve para refrescarnos un poco...

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Se trata de un dibujo pintado a la aguada sobre cartulina a principios del siglo XX. Muestra la estética característica de los años 20 con sombreros y bañadores que comienzan a parecerse a los actuales. Representa una escena de bañistas en la playa, destacando las figuras con sombreros en tonos calientes y motivos decorativos florales. Al fondo se pueden ver unos barquitos de vela en el mar.

El dibujo pertenece a la firma italiana Lenci, especializada en la fabricación de muñecas artísticas trabajadas en fieltros de lana, moldeados, recortados, sobrepuestos y superpuestos, muy flexibles, creados por Elena Konig y su marido Enrico Escavini, diseñadores de moda y ubicados en Turín, lugar en el que fundaron la compañía en 1919. Realizaron muñecas de gran éxito durante décadas hasta el cierre de las puertas de la firma en el año 2002.

El MNAD cuenta con una colección de treinta y nueve dibujos de esta firma que por sus colores, formas, delicadeza y calidad, forman un auténtico tesoro. Os invitamos a transportaros al precioso entorno que evoca el dibujo...¡a darse un buen chapuzón lectores!

Lo que la colección esconde (XXIV): San Juan Bautista

Hoy, 24 de junio, se celebra la natividad de San Juan. Este nacimiento, junto con el de la Virgen María (8 de septiembre) y el de Jesús (25 de diciembre), son los tres únicos que celebra la Iglesia Católica. La noche previa, del 23 al 24 de junio, es conocida en nuestro país como la noche de San Juan. Se trata ésta de una fiesta de origen pagano que se remonta aproximadamente al año 5.000 a.C. - no se conoce con certeza la fecha exacta - y que celebra la venida del solsticio de verano. La tradición consiste en encender hogueras con objeto, por un lado, de purificar y alejar los males y, por otro, de rendir homenaje al Sol.

Con la llegada del cristianismo, la noche del 23 de junio se convirtió también en una forma de celebrar el nacimiento de San Juan Bautista, seis meses antes que el de Jesucristo. 

Por ello San Juan es hoy el protagonista de ad+ y de esta pieza un tanto peculiar que se "esconde" en el Museo. 

Os dejamos su imagen a continuación:

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¿Sabéis de qué se trata? Aunque no lo parezca a simple vista, la pieza que os mostramos es una puerta. Ahora, si os fijáis con atención podréis observar sobre la cabeza de San Juan una pequeña cerradura de hierro y a la izquierda del Santo, dos goznes bastante deteriorados.

La puerta, de madera, tiene unas dimensiones de 62 centímetros de altura por 30,5 centímetros de anchura, con un fondo de 6 centímetros, y es probable que en su origen fuese la puerta de un sagrario (parte interior de un templo en la que se reservan o guardan las cosas sagradas, como las reliquias).

La pieza data del siglo XVI y se compone de un panel de madera con la imagen de San Juan , con barba, en el centro. Luce una túnica y manto cortos. En sus manos porta un libro, símbolo de su predicación en el desierto, y a sus pies, se encuentra, observándole, el cordero. 

Ambos se asientan sobre una peana de tres pisos. El fondo de la puerta es de pan de oro sobre bol rojizo. 

Se trata de una pieza curiosa y al verla es inevitable lanzar al aire ciertas preguntas: ¿dónde estaría ubicada? y sobre todo, ¿qué se escondería tras ella?

Lo que la colección esconde (XXIII): El Juicio de Paris

Aunque se ha hecho de rogar...¡junio ya está aquí! Y en homenaje a Juno (o Hera en la mitología griega) queremos hoy mostraros una pieza que vive "escondida" en la capilla del número 12 de la calle Montalbán. Se trata de un tapiz de casi tres metros y medio de alto por más de cinco de ancho que data del siglo XVII.

En esta obra, de lana y seda, se representa, enmarcado como si de un cuadro se tratase, El Juicio de Paris.

El origen de la guerra de Troya surge en la boda de Tetis y Peleo. Éride (diosa de la discordia) furiosa por no haber sido invitada, lanza una manzana de oro diciendo que debe entregarse a la diosa más hermosa. Tres son las candidatas: Atenea, Hera y Afrodita. Como ninguno de los presentes quiere pronunciarse al respecto, Zeus decide que el encargado de elegir a la diosa más bella sea Paris. Hermes es el elegido para conducir a las tres diosas hasta el joven pastor.

Ya junto a él, cada una de ellas intenta sobornar a Paris. Hera le ofrece el imperio asiático; Atenea, la victoria en todas las batallas; Afrodita, el amor de Helena de Esparta. Finalmente, Paris decide que Afrodita es la más bella de las tres diosas, merecedora de la Manzana de la Discordia. El desenlace de la historia es de sobra conocido. Fruto de este amor Paris rapta a Helena, casada con Menelao de Esparta, y se la lleva a Troya lo que desata la furia del rey de Esparta y desencadena la Guerra de Troya.

En el tapiz que os presentamos podemos ver a Hermes - representado en la escena con el casco alado y llevando en su mano derecha la manzana de oro - guiando a las tres diosas hacia Paris, que se encuentra en el ángulo inferior derecho, sencillamente vestido y guardando a sus ovejas.

Atenea, diosa de la guerra y de la sabiduría, se encuentra a la izquierda de Hermes, vestida con armadura y casco de guerra. Junto a ella Afrodita, cubierta con un manto azul y engalanada con perlas, conversa con Hera, que lleva una corona y un manto con bordes de pedrería. A los pies de las tres Diosas, tres pequeños putti - putti, plural de putto, voz italiana que significa niño - portando en sus manos los símbolos de las diosas. El arco y las fechas representando el amor de Afrodita; una maza con una serpiente enrollada, símbolo de la fuerza de Atenea y un cetro y un globo terráqueo adornado con piedras preciosas, emblemas del poder y la riqueza de Hera.

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El tapiz presenta una bordadura superior con guirnaldas de hojas y frutas. Destaca en el centro una cartela con paisaje. Los bordes laterales son columnas salomónicas con capiteles corintios. En cuanto al borde inferior, éste se trata de una simple greca de ajedrezado. 

En el lateral derecho del tapiz aparece una letra capital F que puede que haga referencia a Franz Van der Hecke (1630-1665).

Sin duda un bello tapiz que ilustra una igualmente bella historia de la mitología griega. Otro "secreto" más de nuestra colección que dejamos al descubierto para vosotros, queridos lectores.

Lo que la colección esconde (XVIII): Rosa de pecho

¡Felicidades a todos los padres y a todos los "Josés"! Además de para felicitaros, este día nos sirve de pretexto perfecto para mostraros este precioso broche que se encuentra en nuestros almacenes y en el que aparece representado San José con el Niño.

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El origen del Día del Padre surge el 19 de junio de 1909 en Estados Unidos cuando una mujer llamada Sonora Smart Dodd quiso homenajear a su padre, Henry Jackson Smart. Este veterano de la guerra civil se convirtió en viudo cuando su esposa murió en el parto de su sexto hijo. Fue cuando Henry Jackson se hizo cargo de la educación de seis niños. Sonora Smart se dio cuenta de que su padre había sido todo un ejemplo a seguir y propuso la fecha del nacimiento de su padre, el 19 de junio, para celebrar el Día del Padre. Esta idea de instituir un Día del Padre fue acogida con entusiasmo y se estableció el tercer domingo de junio como el Día del Padre en EEUU.

La fecha varía según los países, en el caso de España se relaciona con la Festividad de San José, padre de Jesús de Nazaret, que se celebra el 19 de marzo. El Día del Padre se celebra en nuestro país aproximadamente desde finales de los años 40.

Este broche de finales del siglo XVI, principios del XVII, es una rosa o joya de pecho, que es un tipo de pieza que se considera el antecedente de los actuales broches. Cuando en ellos aparece una imagen religiosa, como es este caso, se utilizaban además de adorno, a modo de devoción particular.

Es una joya importante realizada en oro con abundante pedrería, en concreto vemos que tiene esmeraldas, topacios y zafiros, además de cristal que lo recubre. El marco de oro está realizado con filigrana y cincelado.

Podemos hacernos  una idea de lo que luciría esta joya en los vestidos de algún personaje del siglo XVII, con esos vistosos colores y la delicadeza de la labor del oro. Toda una joya con la que el MNAD tiene la suerte de contar y conservar entre sus colecciones y con la que os queremos desear un...¡Feliz Día del Padre!

Lo que la colección esconde (XV): Figura de porcelana alemana

¡Carnaval, Carnaval ...!, con el Carnaval a la vuelta de la esquina, qué mejor que mostrar esta pieza, figura que representa a un personaje de la "Comedia del Arte" con su típica máscara.

En la actualidad la fiesta del carnaval se celebra en los cuatro días anteriores al miércoles de ceniza que da inicio a la Cuaresma cristiana. Estas fiestas preceden a un tiempo de recogimiento y ayuno. La propia palabra "carnaval" que tiene su origen en la italiana carnevale, alude precisamente al "tiempo en el que se podía comer carne".

A pesar de que es una celebración muy típica y antigua en la vieja Europa cristiana, tiene sus orígenes como la mayoría de las festividades, en antiguas tradiciones paganas. Los orígenes del carnaval, según algunos historiadores, se pueden remontar hasta el tiempo de los egipcios y sumerios hace unos 5000 años. Pero seguramente las celebraciones que más pueden haber influido son las de los romanos en la época de esplendor del Imperio, con las fiestas en honor al dios Baco. Con la llegada de los europeos a América en el siglo XV, la fiesta del carnaval se introdujo en el nuevo continente.

Se celebra en distintos lugares de forma similar, con desfiles de carrozas, comparsas formadas por grupos de máscaras o bailarines disfrazados. Nuestra figura representa uno de estos personajes, concretamente de "La Comedia del Arte", en las que todos los actores se caracterizan por llevar máscaras. Está realizada en porcelana en talleres alemanes de la ciudad de Nymphenburg en el siglo XX. Viste jubón con abotonadura y larga falda y sujeta una máscara con su mano derecha. Responde a modelos de F.A. Bustelli, escultor rococó que dio su impronta a la fábrica Nymphenburg para la que trabajó de 1754 a 1763. Bustelli hizo famosa a la empresa en todo el mundo con sus finamente elaborados diseños. Produjo unos 150 diseños, entre los que destaca la serie de las 16 figuras de la comedia del arte, de 1760, que continúa produciéndose hasta hoy.  Los motivos clásicos de estas figuras, desde Arlequín, pasando por Colombina hasta Pantalone - dan una impresión de elegante atemporalidad.

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A pesar de las grandes diferencias que la celebración del carnaval presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de permisividad y cierto descontrol. Es tradición que en la noche del Carnaval todo vale y dice la leyenda que por eso surge la costumbre de ponerse máscaras...así que ya sabéis, id preparando la vuestra...

Lo que la colección esconde (XIV): Muñeca de porcelana

¿A quién no le atraen las muñecas de porcelana? Su belleza y ese halo de misterio que desprenden hacen que nadie permanezca indiferente ante su presencia.

Lo que la colección esconde rescata para vosotros esta deliciosa figura de cabeza de porcelana y cuerpo de pasta.

Durante el siglo XIX, Época de Oro de las muñecas de porcelana, Francia tuvo la supremacía absoluta en este ámbito. La calidad de sus porcelanas y sus deliciosos vestidos hacían de las muñecas francesas un lujo al que sólo podían acceder las clases más altas. Debido a esto Alemania, con una elevada calidad y unos precios más asequibles, se hizo con el mercado de las muñecas en el siglo XX.

La muñeca que "esconde" el MNAD fue realizada por la firma alemana Simon & Halbig. Simon & Halbig se fundó en 1839 y comenzó a hacer muñecas en 1869 en sus dos fábricas de porcelana en Frafenhain y Hidburghausen, cerca de Thuringia, en Alemania. Simon & Halbig fue conocida por su innovación en la industria de las muñecas, además de por ser distribuidora de cabezas a la mayoría de las grandes empresas de Alemania, Gran Bretaña, Estados Unidos y Francia. En 1920, la firma fue comprada por Kammer & Reinhardt, fábrica que continuó haciendo muñecas hasta 1932.

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Nuestra muñeca corresponde al molde 1.079 - el modelo de muñeca más habitual de Simon & Halbig - como se puede apreciar en la marca que tiene en la parte posterior de la cabeza       "S & H 1.079 / DEP. / Germany".

Tiene una altura de 71 centímetros. Sus ojos son de cristal, de color marrón a juego con la peluca, y las cejas y pestañas están pintadas. La boca, entreabierta, deja ver los dientes de porcelana y ¡atención al detalle! tiene las orejas perforadas.

Lleva una camiseta y culotte de algodón blanco bajo un vestido de batista bordada también blanco. Luce un lazo de raso azul en la cintura y otro en la cabeza. Finalmente completa su atuendo con unos calcetines de color rosa y zapatos de piel negra.

Al verla es inevitable que surjan las preguntas, ¿qué historias podría contar esta muñeca? ¿quién habrá jugado con ella?

Lo que la colección esconde (XIII): Dibujo de la firma Lenci

El MNAD custodia una importante colección de obra gráfica. Aprovechando este navideño y frío mes de diciembre, sacamos a la luz unos dibujos ideales para estas fechas, ya que son diseños de sombreros de fieltro. El que vemos en la imagen (nº de inventario CE14514), además, tiene como motivo decorativo un abeto típicamente navideño. Pertenece a una colección formada por 39 dibujos de la firma italiana Lenci, especializada en la fabricación de muñecas artísticas trabajadas en fieltros de lana, moldeados, recortados, sobrepuestos y superpuestos, muy flexibles, creadas por Elena Konig y su marido Enrico Escavini. Estos diseñadores de moda, ubicados en Turín, fundaron la compañía Lenci en 1919. Sus mejores creaciones se sitúan en el período de entreguerras. Las caras de las muñecas eran pintadas con la técnica del óleo, y al principio, se basaban en rasgos de personajes femeninos conocidos, lo que fue un gran éxito. Más adelante innovaron con otras series de muñecas, como la que crearon con rasgos orientales. La compañía continuó realizando muñecas de fieltro durante décadas, y finalmente cerró sus puertas en el año 2002.

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Ad+ de las muñecas, se conservan dibujos y diseños de esta firma, éste en concreto está realizado alrededor de 1920, a la aguada sobre papel granulado beige, con unas dimensiones de 32,7 x 33 cm. Es un diseño de trazo ágil, suelto y esquemático y refleja la moda que imperaba en esa época y que perfectamente se podría llevar a nuestros días, ¿no os parece?

Lo que la colección esconde (XII): Porcelana del Buen Retiro

Todo el mundo aprecia la belleza de la porcelana, pero ¿qué es exactamente? La porcelana es un producto cerámico que se compone de cuarzo, feldespato y caolín. El caolín es una arcilla blanca muy pura cuyo nombre procede del chino kao (alta) y ling (colina) en referencia a las montañas donde los chinos lo encontraron por primera vez en la provincia de Kiangsi.

La auténtica porcelana fue elaborada por primera vez precisamente allí, en China, en la dinastía T'ang (618-907). En Europa se conoció la existencia de esta porcelana en la Edad Media y pronto despertó interés convirtiéndose en un producto muy deseado, llegando incluso a referirse a ella como el oro blanco.

Italia fue el primer país, alrededor de 1470, en intentar conseguir este producto cerámico, blanco, duro, suave y translúcido. Sin embargo, sólo se consiguieron imitaciones. Lo intentó también Francisco I en Florencia obteniendo la porcelana de los Médicis, distinta de la china.

Durante los siglos XVI y XVII únicamente se logra elaborar en Europa porcelana tierna ("fritte" francesa). La primera manufactura europea que produjo la pasta dura caolínica fue Meissen, gracias al trabajo del joven alquimista J.F. Böttger, que descubrió en 1708 el secreto de la porcelana: caolín mezclado con feldespato.  El resultado era un material mucho más duro que cualquier cerámica conocida hasta el momento.

¿Y cómo se creó la  Real Fábrica del Buen Retiro? Carlos III llega a Madrid procedente de Nápoles en diciembre de 1759. Allí había fundado una fábrica de porcelana que desmanteló poco antes de partir a España. Embarcó con él todo lo que podía ser trasladado: maquinaria, enseres y pasta. Ya en Madrid, por motivos económicos y también para agradar a su esposa, María Amalia de Sajonia, funda en 1760 la Real Fábrica del Buen Retiro. Esta manufactura real, de calidad reconocida, se localizaba en los Jardines del Buen Retiro, cerca de la Fuente del Ángel Caído.

Se pueden distinguir tres etapas en la vida de la Fábrica. La primera abarca desde 1760 hasta 1783. La segunda época comprende el periodo de 1784 a 1803. Y la tercera desde 1803 hasta su ocupación por los franceses en 1808. En ella se fabricó obra decorativa y obra funcional. Entre las obras ornamentales destacan las figuras, grupos escultóricos, placas, medallones, jarrones.... Como obra utilizaria se elaboraron vajillas, relojes, botes, cajas de rapé... Hasta la tercera etapa la producción del Buen Retiro se elaboró con pasta tierna.  Ese año, en 1803, Carlos IV envió a Bartolomé Sureda a la Manufactura Nacional de Sèvres para que aprendiera a fabricar porcelana de pasta dura. Al regresar, Sureda consiguió una pasta de extraordinaria dureza, sustituyendo el caolín por magnesita del Cerro Almodóvar de Vallecas, a las puertas de Madrid.

La Fábrica Real del Buen Retiro, también conocida como "la China" fue convertida en cuartel por los franceses en 1808 con el estallido de la Guerra de la Independencia y fue destruida por los ingleses en 1812.

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Alegoría de la Victoria

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Alegoría de la Muerte

Entre las piezas de esta manufactura que conserva el MNAD os mostramos estas dos placas parejas. Con un diámetro de apenas 6,3 centímetros representan la Alegoría de la Victoria y la Alegoría de la Muerte imitando la técnica del camafeo o pate sur pate propia de la fábrica inglesa de Wedgwood.

Pertenecen a la segunda época de la manufactura y la mayoría de los ejemplares descubiertos se encuentran en la Sala de las Porcelanas de la Casita del Príncipe de El Escorial.

Son sin duda de una belleza exquisita. Esperamos que las disfrutéis.

Lo que la colección esconde (IV): Casa de muñecas

¡¡Bienvenidos a Villa Ángeles!!

En la cuarta entrega de la sección Lo que la colección esconde os abrimos las puertas de esta preciosa casa de muñecas que pertenece a la colección permanente del MNAD.

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Las primeras casas de muñecas inglesas datan del año 1700 y fue la aristocracia la primera clienta. A finales del siglo XIX y principios del XX era algo muy común entre las familias más adineradas el realizar el encargo de una casa de muñecas.

Frecuentemente, estas casas fueron réplicas de las de sus propietarios. 

Dormitorio

Un ejemplo de casa de muñecas del siglo XX es la de la reina Mary de Inglaterra, construida entre 1921 y 1924 por Sir Edwin Lutyens. Fue amueblada con cientos de objetos realizados por artistas, diseñadores y artesanos a escala 1:12 (escala que se sigue utilizando actualmente).

Salón

Villa Ángeles está construida en dos pisos, simulando una construcción de ladrillo y piedra.
En el piso superior están los dormitorios y un salón, y en el inferior, se encuentran el vestíbulo, la cocina y el comedor. En la zona superior, está rematada con una balaustrada  con escudo en el centro y la fachada simula mampostería con los enmarcados de los balcones. La puerta de entrada a la casa está realizada en madera, vidrio y latón con diseños modernistas en la parte superior estilo regencia.

Para completar esta noble casa se encuentran 81 piezas: muebles, objetos decorativos y, cómo no, los habitantes de la casa.